Todos estos proyectos que he estado realizando en el espacio urbano se verán cristalizados en dos vías. La primera una exposición dentro de la sala d’Art Jove de la Generalitat (que ha seleccionado mi proyecto en la convocatoria 2010). La segunda, una edición que imprimiré con los recursos de los que dispongo en la UB. Dos vías para concretar todo un año de trabajo y reflexionar sobre los resultados obtenidos hasta el momento y la dirección que tomar en el futuro. Por el momento, no me quejo…

Projectes de Creació:

• Iván Gómez: Lo más difícil, nada
• Glòria Fernández, Álvaro Icaza, David Fernández, Joaquim Reyes: Transacción
• Gabriel Pericàs: Proceso contínuo de toma de decisiones.
• Antonio Gagliano: 35 desenlaces a partir de Evan O’Neill Kane
• Vanessa Varela: Microsucesos
• Ariadna Serrahima: Content for an unknown space 1
• Raul Nieves, Triambak Saxena, Gerard Rubio: Habenlandt 2008
• Andrés Bartos: Unbekannte Frau (Dona desconeguda)
• Laura Gómez: Mi abuela cree que soy Penélope
• Jaume Ferrete: Tomar la palabra
• Joan Martí Ortega: Intervenció sobre l’escut d’armes de l’Estat Espanyol
• Abel del Castillo: Itohs in the Consticon
  

Projecte d’Investigació

• Luis Enrique Parés: Notes per un film maleït
  

Projectes d’Educació

• Laia Campañà, Mar Cuenca: Exposició: Simplement una mostra d’Art?
• Noemí Duran, Paula Ventades: L’escola. Una conversa amb des-coneguts

Projecte d’Edició

• Daniela Ortiz: 21 empleadas domésticas”

El proyecto que desarrollo actualmente se centra en los ascensores y la sensación de aislamiento y desorientación que se produce a menudo al utilizarlos, perdida toda referencia exterior. Su movimiento es a veces tan sutil que es difícil discernir si se sube o se baja. He colocado por ello en el suelo del ascensor una reproducción de su mismo techo, contribuyendo a esta pérdida de referencia. Igualando punto de partida y de llegada, se produce una suerte de anulación del movimiento y la dirección mientras se permanece en su interior. Hay también una relación con la pieza diferente a las otras líneas de trabajo, ya que en este caso no es sólo visual, pues los usuarios se sitúan sobre ella, pisándola y deteriorándola con el paso de los días hasta que es retirada.

He aquí un ejemplo de la primera intervención:

Inmóvil (I), vista de la intervención

Y el detalle de la impresión adherida al suelo:

Inmóvil (I), detalle de la intervención

Aprovecho para añadir varias fotografías de nuevas intervenciones de la serie La llave de oro, que he estado colocando en estos días por la ciudad de Barcelona

La llave de oro (II)

La llave de oro (III)

La llave de oro (IV)

La llave de oro (V)

La llave de oro (VI)

La llave de oro (VII)

Y aquí van algunos detalles:

La llave de oro (II) (detalle)

La llave de oro (III) (detalle)

La llave de oro (IV) (detalle)

La llave de oro (V) (detalle)

La llave de oro (VI) (detalle)

La llave de oro (VII) (detalle)

Inicio una nueva serie de intervenciones, en esta ocasión con un material más convencional en el entorno urbano como son las pegatinas. En este caso trato de llamar la atención sobre todo tipo de puertas situadas en entornos más o menos públicos pero de acceso restringido incluso para los usuarios de los edificios o instalaciones en los que se encuentran. Para el dibujo de estas manos me he basado en las señales informativas de “Empujar para salir”, habituales en todo tipo de edificios y referentes a los avisos de incendio. Las manos empujan estas puertas inútilmente, esperando esa llave de oro del cuento de Alicia que les franquee el paso…

La llave de oro (I), vista general de la instalación

La llave de oro (I), detalle

Otra más de las alcantarillas que he ido dejando por la ciudad, en este caso correspondiente a la empresa Iberdrola:

Posibilidades (VIII), vista general de la intervención

Posibilidades (VIII), detalle de la intervención

Una más de estas intervenciones y daré por cerrada la serie, al menos por el momento…

Una nueva intervención con post-its, en este caso se trata de una señal de advertencia sobre suelo mojado:

Posibilidades (VII), vista general de la intervención

Posibilidades (VII), detalle de la intervención

Otra intervención usando como motivo las alcantarillas:

Posibilidades VI (vista de la intervención)

Posibilidades VI (detalle)

Otra intervención con post-its: estos días he estado trabajando con dibujos de alcantarillas, cubiertas de llaves de paso, de tuberías… Todos estos elementos representan el único indicio del gran entramado que recorre los cimientos de la ciudad y la hace habitable. Aquí está uno de los resultados:

Posibilidades V (Imagen de la intervención)

Posibilidades V

(Reseña realizada para la web www.maumaunderground.com)

La propuesta actual de la galería Hartmann nos ofrece tres planteamientos de arte figurativo actual, radicalmente diferentes en sus medios y formas, pero con un carácter igualmente contemporáneo.

La exposición se abre con El libro de las cabezas, conjunto de collages de Paco García Barcos, cuyo recorrido nos muestra la historia de Anita Diminuta, personaje de cómic creado por Javier Blasco en los años 40. La protagonista, “una niña nacida dentro de una campanilla”, siempre acompañada de su osito Mateo, se enamora en esta historia de un chico que ha perdido su cabeza, embarcándose en su búsqueda. Recortes de más de 50 ejemplares de la revista “Mis Chicas”, en la que se publicaba, se mezclan con personajes de otros tebeos, fotografías de falos y cuerpos semidesnudos, elementos tipográficos… Todo ello en un escenario formado por puntos de colores en el que toda referencia espacial se ha perdido, partículas subatómicas de un universo que cada vez se conoce más y se entiende menos, confundiendo todavía más a estas figuras descabezadas que lo habitan casi con frenesí, en un ambiente festivo en el que parecen celebrar su propia mutilación. Como eternos “peterpanes” en un mundo de adultos que se les escapa, el encuentro de las cabezas no supone un final feliz, sino la conclusión de una aventura  más ante del próximo viaje desenfrenado.

Frente a esta desbordada profusión de colores y formas, encontramos en la segunda sala los sobrios dibujos de Mapi Gil, contenidos incluso cuando recurre al uso del color. A pesar de utilizar un método tradicional como es el bordado (tradicional ya incluso en lo que a arte se refiere), se rastrea fácilmente en su dibujo la huella de las nuevas tecnologías, lo que manifiesta claramente en su serie Bordes Resplandecientes, realizado partiendo de la aplicación de este filtro de Photoshop a una imagen que luego es bordada en el lienzo. Estos bordes resplandecientes son los de todas las imágenes, sino bellas, sí estetizadas, con las que los medios de comunicación nos bombardean cada día y que convierten los hechos que presenciamos en un mero espectáculo. El tema de la estetización de la violencia se trata de nuevo en Jiu-Jitsu, en el que los movimientos congelados de este tipo de lucha nos hablan de una violencia dirigida, acotada y convertida en arte. Esta sensación de que lo que vemos carece de consecuencias reales es remarcada por la sentencia de la camiseta que lleva otra de las modelos dibujadas y que da título a la obra, Things can only get better, en la que el presente es rápidamente olvidado ante la promesa de un dulce futuro (siempre por llegar). Todas estas referencias mediáticas toman un cariz íntimo en la última serie presentada en esta exposición, Kisses, en la que la artista ha bordado varios besos, en este caso con puntadas largas, en un acabado más manual, y por ello más personal.

En la última sala Ramón Sanmiquel nos presenta varias acuarelas hiperrealistas de lacónicas y delgadísimas modelos, realizadas con una precisión casi hipnótica. Estas obras, que hablan de la juventud y la belleza, podrían considerarse una nueva versión de los vanitas medievales. Si en algunos de los vanitas un cuerpo femenino, pleno, contrastaba con los signos de la muerte a su alrededor, generándose un ambiente melancólico (pienso por ejemplo en la Omnia Vanitas de William Dyce), en la obra de Sanmiquel los signos de la muerte están en las propias modelos. Su delgadez extrema, la piel delicada en tonos apagados, la absoluta indiferencia de su mirada ante lo que las rodea… las convierte en una suerte de cadáveres insensibles a su propio destino. Esto es especialmente evidente en la obra Mueca, en la que la calavera que la modelo sostiene en sus manos no funciona simplemente como recordatorio de su destino: la joven juega con ella, descomponiéndola en un guiño burlesco, volviendo la vista hacia el espectador con absoluta indiferencia. En este caso, ella es la que permanece, mientras que nosotros sólo estamos de paso.

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Me gustaría publicar aquí un texto en el que estoy trabajando, ya que explica desde el conjunto las obras que vengo desarrollando, y de las que me cuesta (o no me parece apropiado) hablar de forma particular. Aunque cada intervención individual tenga un carácter más o menos diferente de las demás, todas responden a una misma visión del arte, de lo urbano y de las relaciones que en este medio se plantean, y están generadas dentro de un mismo proyecto, que espero poder editar algún día.

“Este proyecto surgió de una necesidad personal de encontrar espacios de intervención y modos de construir y enfrentarse a la obra de arte que me dieran una mayor libertad que la que suele darse en los circuitos habituales (principalmente no depender de una institución, una beca, o simplemente un espacio, ya fuera para exponer o almacenar las obras). Por esta razón empecé a investigar actuaciones en el espacio público, pero no por ello de arte público, “que exige cumplir un programa de condiciones sociales, históricas y funcionales”[1], sino algo que decidí llamar “arte personal” (algo similar al “signo salvaje” de Patriece Loubier), dirigido a ese usuario del espacio urbano “sin derechos de propiedad o exclusividad sobre el marco que usa y comparte”[2]. Comencé así con la “creación de situaciones dirigidas a modificar nuestra mirada y nuestras actitudes con respecto a ese entorno colectivo. Estas micro-situaciones, apenas distinguibles de las de la vida ordinaria” buscan “transformar los espacios materiales de la circulación de personas y bienes en espacios disensuales, introduciendo en ellos un objeto incongruente, un tema suplementario, una contradicción”[3]. Así, las obras, frente a un valor de exhibición o espectacular, tienen un valor de dinamización de un espacio. “Lo montado interrumpe el contexto en el cual se monta. [….]. La interrupción de la acción [….] opera constantemente en contra de una ilusión en el público.”[4] (Walter Benjamin). El público somos los que transitamos este espacio urbano y la ilusión es la de un espacio pasivo, que no toma partido. La interrupción interpela al espectador para que cuestione esta pasividad: la verdad no se vincula al discurso, sino a su interrupción.

Un detalle importante es el hecho de que artista y espectador sean anónimos el uno para el otro, lo cual anula esta “lógica del direccionamiento, de la identificación de los anónimos, de su estratificación en públicos específicos, portadores de demandas culturales definidas”[5]. Esta identificación, es la primera forma de control, de creación de diferencias y, con ello, aunque indirectamente, de creación de juicios de valor, y generación de obras en función de estos juicios (aunque, obviamente, persistan otros, menos específicos).

Por último, se trata de obras efímeras, mínimas o fáciles de destruir, imitando esta característica de lo urbano de “estar siempre en vía de pérdida o de confiscación”, lo que precisamente genera que sea imposible de “detener o controlar de una vez por todas”[6] y que en mi opinión anima a concebir el proyecto como un gran proceso, antes que como una serie lineal y progresiva de obras cerradas, generándose una suerte de red de actuaciones tridimensional, que une y relaciona no sólo diferentes puntos espaciales, sino también temporales (hacia el pasado y hacia el futuro) y por ello alterable e impredecible en su desarrollo.

Esbozado el contexto general del proyecto, las actuaciones en cada espacio investigan problemáticas específicas. Los planos, publicados en páginas web dedicadas a la compra-venta y alquiler de viviendas, por ejemplo, surgen de una llamada de atención sobre el hecho de que corresponden a hogares que habitaremos, no se definen sólo por su forma o tamaño. Son planos utilitarios para arquitectos e inmobiliarias, reflejan una mirada vertical que se opone a la mirada horizontal que sobre un hogar ejercen sus habitantes, mirada que pretende ser incluida aquí (de ahí el nombre de esta parte del proyecto: Mirada vertical/Mirada horizontal).

El primer problema al que me enfrenté trabajando con planos tan estandarizados fue el de que cualquier modificación resulta paradójica, por lo que decidí basarme en diferentes textos sobre el habitar y la ciudad para acotar desde el inicio las vías a seguir, que resumo brevemente y se encuentran en diferentes estados de desarrollo: la relación de la vivienda-unidad con la ciudad, el hecho de dejar huellas como esencia del habitar y, por último, la casa imaginada.

Otro de los métodos de intervención han sido los post-its, cuya función, generalmente, es hacerse recordatorios a uno mismo o a los demás. Estos post-its son utilizados en el caso de Posibilidades para llamar la atención sobre todas aquellas cosas que podrían estar en un espacio, elementos cotidianos de los que apenas somos conscientes, o que ignoramos en ese sueño del espacio impecable que prometía la ciudad: objetos y seres se manifiestan en estos espacios de posibilidad. Los post-its son así un recordatorio de esta posibilidad.

En el caso de los reflejos esta idea de lo que no es se centra en lo que fue y no volverá a repetirse: es en cierto sentido una obra del obstáculo, que detiene en un área el flujo de imágenes inacabable que desfila por la superficie reflectante, un momento salvado únicamente porque fue, y eso es todo (Este momento fue el momento). Esto es más marcado todavía en elementos en movimiento, como la motocicleta, ya que existe la posibilidad de que el reflejo pierda no sólo su correspondencia sino también su contexto.

Termino seleccionando, de entre varias vías iniciadas, dos en las que pretendo centrarme los próximos meses. En primer lugar, Automático, que quiere llamar la atención sobre la energía que anima las escaleras mecánicas y de la que apenas somos conscientes, reflejo de toda la energía que circula a nuestro alrededor y hace funcionar la “máquina” de la ciudad, toda una infraestructura oculta, resultado de un trabajo febril y que alimenta un movimiento febril y continuo, ya automatizado, el cual ejemplifican las hormigas dibujadas, símbolo de lo común, lo social, pero también de lo invasivo y lo devorador. Los procesos automáticos de los objetos se asimilan así a nuestro propio proceder automático.

Las hormigas son el motivo utilizado también para intervenir los periódicos gratuitos que pasan de mano en mano en los medios de transporte públicos, de forma que el acento se pone en este caso en lo común. Estos periódicos facilitan la lectura, pero sin provocar por lo general una reflexión, sino una suerte de abandono, y habitualmente no somos conscientes de que si son gratuitos es porque nos obligan a consumir publicidad de las marcas que los patrocinan, respondiendo todavía más que la mayoría de los medios de comunicación a intereses monetarios. Aquí las hormigas no acompañan la acción, sino que su masa la detiene, dificultando la lectura aún cuando respeten los textos. Estos márgenes en blanco que ocupan y que la publicidad no puede invadir son los únicos realmente gratuitos de estas publicaciones, en los que el usuario puede encontrar su espacio de acción.”

[2] Manuel Delgado, El animal público, Anagrama, Barcelona, 1999, p. 33.

[3] Jacques Rancière, Sobre políticas estéticas, Universidad Autónoma de Barcelona, Barcelona, 2005, pp. 15-16.

[4] Walter Benjamin, El autor como productor, Taurus Ed., Madrid, 1975, p. 10.

[5] Jacques Rancière, ob. cit., p. 88

[6] Paul Ardenne, Un arte contextual. Creación artística en medio urbano, en situación, de intervención, de participación, Azarbe, Murcia, 2006, p. 58.